Café c/ Ribeirão

Kill Bill + Shrek + O Senhor dos Anéis = Alice, 2010

2010-06-07T12:25:00.003-03:00

Raul Ramos

No último dia de feriado prolongado, após ter visto a excelente produção irlandesa, Apenas Uma Vez e ao provocador espanhol, Mar Adentro; resolvi ir assistir ao tão divulgado novo trabalho de Tim Burton, Alice no País das Maravilhas.

Mesmo entrando com uma expectativa não tão grande no cinema pelos últimos trabalhos de Burton, ainda acreditava que o diretor de Edward, Mãos de Tesoura, pudesse dar uma reviravolta com a nova adaptação-remake do livro de Lewis Carrol. Saí da sala ainda mais desiludido.

Alice passa a impressão de ser uma grande emenda de vários filmes e situações que conforme vão se passando os minutos fica cada vez mais distante de toda analogia existente no romance. A pequena garota (que já não é tão pequena assim) volta ao País das Maravilhas ao melhor estilo Beatrix Kiddo em Kill Bill, procurando uma espada para matar seu inimigo; mas antes é jogada, sem nenhum contexto, entre os diversos personagens da história, parecendo um Shrek menos conservador.

Por final, nossa nova versão guerreira de Alice, encarna em uma modo mais estilizado de Frodo e como em O Senhor dos Anéis, é a escolhida para destruir o mal do mundo subterrâneo (e até usa uma armadura para isso).

Sem saudosismo ou aquela velha história de que as versões antigas sempre são melhores, mas a Alice de 2010 me pareceu muito mais uma versão adolescente-comercial, fruto dessa guerra entre os estúdios para ver quem lança o próximo filme 3D primeiro. Ainda prefiro a Alice de Carrol e o Burton de Edward.

Los Ciegos @ Festcom

2010-05-26T12:29:00.007-03:00

A Los Ciegos se apresentou ontem no Festcom e nós guardamos um pouquinho para quem não pode acompanhar!

Show Los Ciegos

2010-05-20T22:02:00.005-03:00

Café & Imagem

2010-05-14T15:25:00.009-03:00

Rodrigo Martins

Iniciamos com esta postagem mais uma editoria do Café. São fotos tiradas em Ribeirão Preto e região com a única finalidade de promover fotos diferentes, de lugares e situações diferentes, observadas pelos narradores do Café C/ Ribeirão.

Fotos de Rodrigo Martins tiradas no cemitério de Jurucê - SP em 2010:

Fotos de Rodrigo Martins tiradas na região de Jurucê. Lá se escondem riachos e áreas verdes hoje tão esquecidas pela rotina da vida urbana.

A cada semana fotos novas vão fazer parte do dia a dia do Café. Espero que gostem e quem sabe possam também participar. Qualquer sugestão estamos na área!

Reatech 2010 - O Café viu de perto

2010-04-19T15:19:00.010-03:00

O Café c/ Ribeirão participou no último sábado, 17/04, da IX Reatech - Feira Internacional de Tecnologias em Reabilitação, Inclusão e Acessibilidade, que foi realizada entre os dias 15 e 18 de Abril no Centro de Exposições Imigrantes em São Paulo.

Foto: Rodrigo Martins Apresentação de dança durante a Reatech

Nossa visita faz parte da elaboração de um documentário sobre a relação das pessoas que tiveram membros superiores amputados com a sociedade. Lá, fomos recebidos e acolhidos pelo Sr. Flavio Peralta, fundador do site Amputados Vencedores.

Foto: Rodrigo MartinsFlavio Peralta teve os dois braços amputados em 1997, em decorrência de um acidente de trabalho. Ele sofreu um choque de 13.800V quando prestava manutenção em um poste de alta tensão.

Diferente de se conformar com a situação, Flavio assumiu todas as responsabilidades de superação e hoje ajuda várias pessoas pelo seu site, palestras e mais recentemente com o lançamento do livro “Amputados Vencedores – porque a vida continua...”.

Foto: Luciane Gregório

Rodrigo Martins, Isete Corrêa, Flavio e Jane Peralta

Fomos recebidos de coração aberto por toda a família Peralta e também pelo casal Isete e Jeferson. Isete é secretária de um escritório de advocacia e cultiva a dança do ventre como inclusão. Ela teve o braço esquerdo amputado em um tratamento médico. Com um sorriso enorme no rosto contou um pouco de sua história, mas que por enquanto vai ficar guardada conosco até a finalização do documentário.

Foto: Rodrigo Martins A dançarina Isete Corrêa antes de sua apresentação

Participar da Reatech foi curioso e gratificante. Percebemos que a deficiência não é um problema, mas, uma solução para quebrar as barreiras do preconceito e da discriminação.

Nosso agradecimento fica em especial aqui para Flavio Peralta, Jane, Jeferson, Isete, a família Marta João pela recepção, à Associação dos Pintores com a Boca e os Pés, Eduardo Soares, Raquel Tardelli, Dayse Anne e todos aqueles que estão ao nosso lado, mostrando a simplicidade para uma vida feliz. Em breve algumas imagens feitas por Raul Ramos estarão disponíveis. Acompanhe-nos.

por Rodrigo Martins

Com o Toque da Lata no Café

2010-04-12T16:59:00.006-03:00

Rodrigo Martins - texto e fotos
Raul Ramos - imagens

Ação social pela música, é o que pretende Deva Mille e sua família, e outros 30 adolescentes talentosos, com muito mais experiência de vida que alguns políticos existentes por aí.

O Toque da Lata é um projeto musical instituído pelo professor Marcio Coelho e pelo músico Deva Mille e família. Foram acolhidos pelo Templo da Cidadania, por meio da Ong do Cineclube Cauim, e vem, desde 1996, desenvolvendo um trabalho com jovens "carentes de apoio político".

Os alunos mostram a paixão pelo que fazem, cantam e tocam com sorriso nos rostos, jogando capoeira e improvisando passos de acordo ao compasso das canções. São garotas e garotos unidos pela magia da música, pela educação cultural e pelo desenvolvimento de um espírito crítico, independente da classe social. As aulas teóricas são realizadas aos sábados e os ensaios às 10h30, no Templo da Cidadania, Rua Conde Afonso Celso nº333.

Em breve vamos divulgar a matéria completa, a entrevista com o músico Deva Mille e outras imagens, tudo na revista digital do Centro Universitário Barão de Mauá e por aqui, no Café com Ribeirão. Por enquanto experimente um pouco do Toque da Lata com o vídeo abaixo, gravado no último sábado, dia 10/04/2010.

Anna Muylaert

2010-03-24T15:23:00.010-03:00

Raul Ramos

O Café entrevistou a premiada diretora e roteirista Anna Muylaert. Anna é formada em Cinema pela ECA-USP, em seu primeiro longa, Durval Discos (2005), recebeu o prêmio de Melhor Filme, Melhor Roteiro e Melhor Direção no 30º Festival de Cinema de Gramado, um dos festivais mais prestigiados da América Latina.

Anna também já dirigiu curta-metragens e videoclipes de Chico César, além de participar da criação dos programas Mundo Da Lua (1991, TV Cultura) e Castelo RaTimBum (1995, TV Cultura); foi co-roteirista da série Filhos do Carnaval (HBO) e do filme O Ano Em Que Meus Pais Saíram de Férias, as duas produções dirigidas por Cão Hambúrguer.

Hoje Anna desenvolve o projeto do seu próximo longa-metragem Que Horas Ela Volta?, e conversou com o Café sobre as diferenças de trabalhar em TV e Cinema, e como enxerga o atual momento cinematográfico nacional e internacional.

Café Com Ribeirão: Qual a principal diferença entre trabalhar na produção de um programa de TV e em um longa-metragem?

Anna Muylaert: Na TV sempre tem estrutura por trás, seja grande ou pequena. No cinema você tem que inventar a sua estrutura. Na parte artística também é bem diferente. TV você sempre tem briefings fechados, tem um cliente, no cinema tem mais liberdade e também mais ambição artística.

Café: Prefere escrever roteiros ou dirigir filmes?

Anna: Gosto de alternar por que dirigir é cansativo e escrever também. Então descanso de uma coisa fazendo a outra, por que são de naturezas muito diferentes. Quando escrevo estou em casa, próxima dos meus filhos, mas frito o cérebro – dirigir você vai pra rua, é uma coisa mais física, envolve coragem quase física.

Café: Em Durval Discos percebemos que além do conflito de gerações, existe toda uma ligação com a cena mais tropicalista de são Paulo; você já possuía essa ligação?

Anna: Sim, eu sempre gostei da fase da MPB, desde criança.

Café: E a experiência de filmar planos do Durval Discos em steadycam, já existia esse interesse quando pensou no longa?

Anna: Sim, desde a ECA sempre gostei de planos sequências e aquela abertura existiu desde o primeiro roteiro.

Café: Após a premiação do Festival de Gramado ficou mais fácil conseguir financiar algum projeto seu?

Anna: Talvez um pouco, mas é sempre difícil. O que conta no mundo do cinema é a carreira como um todo.

Café: Acredita que o cinema está caminhando para um rumo mais comercial do que artístico? Ou ainda podemos encontrar diretores que tenham espaço e independência como Scorsese, Tarantino, Coppola, Reitman, Burton, e outros exemplos que conseguiram driblar a indústria como a Nouvelle Vague, Nova Hollywood ou o Cinema Novo de Glauber Rocha.

Anna: Como disse Glauber, o caminho são todos os caminhos. Acho que existe os dois tipos e sempre vai existir. Um tipo de pessoa consome uma coisa e outro tipo outra.

Café: Em quais diretores você aposta como grandes expoentes no cenário do cinema nacional?

Anna: Gosto muito do cinema do Nordeste, Ceará e Pernambuco. Gosto do Karim Ainouz, Claudio Assis, Lirio Ferreira, Kleber Mendonça Filho, Marcelo Gomes. Acho que eles fazem um cinema consistente e de alto nivel. Em são paulo tem uma dupla que vai fazer seu primeiro longa agora, Juliana Rojas e Marco Dutra que são muito talentosos.

Café: Quais eram seus modelos de diretores/roteiristas quando ingressou na ECA-USP?

Anna: A gente gostava do cinema de arte, Glauber, Godard, Wim Wenders...

Café: A vitória de uma diretora no Oscar pode ser a médio/longo prazo um sinal positivo dentro de uma indústria historicamente 'machista'?

Anna: Talvez. Vamos ver. Acho que compete mais a própria competência , talento e foco das diretoras.

Nouvelle Vague e os anos 2000

2010-03-22T17:48:00.007-03:00

Raul Ramos

O cinema francês atual possui muito mais recursos se comparado ao auge da Nouvelle Vague nos 60/70, onde diretores como Godard, Truffaut, Resnais e Rohmer produziam filmes com total “liberdade criativa”; sem levar em conta linearidade narrativa ou uma montagem padronizada , objetos que vinham sendo utilizados desde o início do século XX na Europa e ainda mais massificados em Hollywood.

Cena de Alphaville, 1965, dirigico por Jean-Luc Godard

Toda essa turma, mais o cinema novo de Glauber Rocha, inspiraram uma das épocas mais brilhantes do cinema, os anos 70 com Penn, Coppola, Scorsese, Friedkin e outros, que conseguiram levar toda essa liberdade de criação/produção para o até então fechado sistema cinematográfico estadounidense.

Depois de assistir alguns longas do diretor Christophe Honoré (Les Chansons D’amour, Dans Paris e Ma Mere), percebi que a Nouvelle Vague desse século (final do passado) tomou um rumo diferente do que a trupe de Godard realizava. Honoré é um dos únicos diretores na atualidade do país de Sarkozi e Bruni que ousam arriscar com um roteiro na mão. Porém, seus filmes carregam pouca (ou quase nenhuma) transição de planos de imagem, deixando o espectador excessivamente confortável, mesmo a trama, os acontecimentos e diálogos sendo extremamente brilhantes; nisso o diretor precisa ser imensamente creditado.

O trio de protagonistas em Les Chansons D'amour

O oposto de Honoré e uma outra expoente do cinema franco-europeu. Cécile Telerman, diretora de Quelque Chose à te Dire (Algo Que Você Precisa Saber) conduz muito bem toda a filmagem do longa (que possui uma fotografia excelente), conseguindo prender em uma única seqüência quase todos os protagonistas em questão de segundos, com ângulos totalmente opostos, e ainda assim manter a coerência. Em Quelque Chose à te Dire, Telerman tinha tudo para construir um filme-referência, mas acabou caminhando para um final hiper padronizado, pra não dizer óbvio; Quem assiste é capaz de adivinhar algumas cenas seguintes facilmente, até duvidando de que realmente vá acontecer aquilo, de tão notável que parece.

Quelque Chose à te Dire, 2009

Enquanto Hollywood encontrou sua ala não comercial atual com Tarantino, Reitman, Irmãos Cohen, Scorsese, entre outros; a França parece ter perdido a plenitude de seus Godards, Truffauts e Rohmers.

O Oscar 2010 e a derrocada de Avatar

2010-03-08T03:13:00.002-03:00

Raul Ramos

O Oscar da noite de ontem representou muito mais do que a derrocada do super indicado Avatar do diretor James Cameron, que ficou apenas com prêmios técnicos como Melhor Efeitos Especiais e uma questionável estatueta por melhor fotografia (já que um filme com sua maioria feita em computação gráfica e US$ 500 milhões de orçamento, tem por obrigação ter iluminação, ângulos e locações perfeitas), representou a volta de Hollywood para um cinema um pouco menos comercial e mais direcionado para críticas política/sociais.

Enquanto Avatar decepcionou a grande mídia e críticos que fizeram imenso lobby pelo longa; Guerra ao Terror, da diretora Kathryn Bigelow, levou para casa seis estatuetas. O fato interessante é que o filme e a diretora tiveram de buscar patrocínio fora dos Estados Unidos, já que nenhuma instituição ou órgão quiseram investir seu dinheiro em algo relacionado a guerra, resultado? Kathryn conseguiu investidores franceses e produziu Guerra ao Terror. Ainda assim em muitos países, como no Brasil, o filme não chegou sequer ao cinema.

Coração Louco, de Scott Cooper, deu a Jeff Bridges o prêmio de Melhor Ator. Scott Cooper é um grande admirador da contracultura dos anos 70, tanto é que Coração Louco foi produzido completamente nesse molde; elenco reduzido, locações mais baratas e orçamento baixo, porém com um conteúdo estupendo, sem ligar para bilheteria ou críticas de revistas estadounidenses. Scott Cooper produziu um autêntico Peter Bogdanovich dessa década.

E nosso querido Quentin Tarantino? Não levou como melhor diretor e melhor roteiro (ambos ficaram, não menos merecidamente, com Guerra ao Terror), porém dirigiu Christoph Waltz como o coronel nazista Hans Landa em Bastardos Inglórios, Christoph ficou com o Oscar de Melhor Ator Coadjuvante. E como referência podemos citar que Kathryn Bigelow foi uma autêntica Beatrix Kiddo, atropelando o ex marido James Cameron na disputa entre Guerra ao Terror e Avatar.
Quentin também entregou o prêmio de Melhor Filme Estrangeiro para o argentino O Segredo dos Seus Olhos, que venceu o favorito A Fita Branca.

Em resumo, Bastardos Inglórios, Coração Louco e Guerra ao Terror ficaram com as maiores premiações do Oscar, e juntos, não chegam a 10% do valor total da produção de Avatar. Ou seja, tudo indica que daqui para frente poderemos ter filmes mais elaborados, com roteiros inteligentes, direção mais humana e um enfoque mais direcionado para o cotidiano, como faziam Scorsese, Polanski, Bogdanovich, Allen e sua turma na década de 70, e não apenas super produções ao estilo sessão da tarde/enlatados anos 90, que buscam apenas recordes de bilheteria e vendas de brinquedos ou produtos tercerizados.

Arte no MARP

2010-03-03T09:08:00.009-03:00

Rodrigo Martins - texto e fotos

O Café c/ Ribeirão passou lá pelos lados do MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi. Em exposição as mostras “Diálogo com o Design” e “Design&Natureza”.

Com seis edições desta mostra coletiva com os temas diversidade de madeiras, madeira certificada, produtos amigáveis, consumo responsável, produtos da floresta e responsabilidade sócio-ambiental, para a 7º exposição foi escolhido o tema “Recursos Naturais”.

O objetivo das mostras tem sido o de estimular os designers de empresas a pensarem de maneira diferente e consciente nas soluções estéticas, aproveitamento de materiais e economia de energia, contribuindo assim para a solução dos problemas sociais, econômicos e ambientais.

“...para que haja um desenvolvimento sustentável é necessário que haja uma mudança de comportamento seja por parte da empresa seja por parte do indivíduo que em sua colaboração pode fazer a diferença.” – Marili Brandão e Christian Ullmann – Curadoria.

Onde e quando?

No MARP - Museu de Arte de Ribeirão Preto Pedro Manuel-Gismondi. Rua Barão do Amazonas, 323. Visitação de terça a sexta-feira, das 9h às 18h; sábados, domingos e feriados (exceto segundas-feiras), das 12h às 18h. Em exposição até 07/03/2010. Informações no MARP (16) 3635 2421.

Onde Vivem Os Monstros

2010-03-01T16:20:00.009-03:00

Raul Ramos

Onde Vivem Os Monstros, obra adaptada do livro de Maurice Sendak, pelo diretor Spike Jonze, é um dos grandes filmes culturais produzido pela indústria estadounidense nessa primeira década dos anos 2000.

O diretor trouxe para as telas uma enorme possibilidades que atingem o universo infantil, traduzindo no garoto Max quase todas as percepções que uma criança pode ter ao analisar a estrutura familiar na qual convive e todos os tipos de relacionamento existentes dentro de uma sociedade.

Spike teve cuidado também, como em seus trabalhos anteriores, em produzir um roteiro completamente estruturado em diálogos ágeis e com frases impactantes; dessa vez em Onde Vivem Os Monstros, Max consegue transportar para seu mundo paralelo tudo aquilo que acreditava ser o ‘mundo ideal’ que sempre imaginou, e isso tudo guiado juntamente com os monstros.

O trabalho de fotografia é notado em várias cenas do filme, principalmente nas conversas entre Max e seus amigos, onde a iluminação varia bastante de acordo com o clima da cena ou do que está para acontecer, criando quase que um diálogo externo.

Com todo esse trabalho e cuidado, Onde Vivem Os Monstros é um dos filmes que deve ser analisados de maneira completa, e atenciosa, justamente por ser o mais próximo do cinema europeu que Spike Jonze já chegou

Fidelidade de rua

2010-02-25T11:22:00.008-03:00

Rodrigo Martins - foto/texto/edição

Raul Ramos - captação e edição

Como a sociedade pode ser entendida a partir da visão de um cachorro de rua? O vídeo abaixo, produzido entre as ruas de Ribeirão Preto, se propõe a, no mínimo, ampliar os valores humanos tão esquecidos pelo nosso cotidiano.
Nosso personagem é um cachorro perdido pelo centro da cidade, sozinho entre a multidão, em busca de lugar tranquilo e “alimento”. Fidelidade é a marca dos cachorros de rua, algo já esquecido por nós, seres racionais.

Strokes, Is This It e o "renascimento" do indie rock

2010-01-21T08:26:00.005-02:00

“We not enemies, we just disagree”, assim começa o álbum de estréia dos nova iorquinos The Strokes, eleito o melhor da década pela NME, publicação inglesa sobre musica. Is This It foi lançado no trágico dia 11 de setembro de 2001, com guitarras sujas, desalinhadas e um conjunto de riffs lembrando um punk-pop desconcertado, o grupo conseguiu se desvencilhar do que a maioria das bandas indies faziam no momento: seguir a maré pós-radiohead de escalas metricamente mais elaboradas.

A primeira e homônima faixa trás um Julian mais calmo que praticamente declama toda a canção entre as guitarras entrelaçadas de Nick Valensi e Albert Hammond Jr, em Modern Age o ritmo acelera entre as batidas pulsantes de Fabrizio Moretti e uma repetição frenética de guitarras até Julian se libertar cantando “I just can’t help it, don’t want you here right now, let me go” e todos os instrumentos se fundirem no refrão, formando uma linha tênue, passando pelo riff sofrido e explodindo na retomada com “Our dreams are different here, in train to AVA”.

Soma é uma clara resposta ao livro Admirável Mundo Novo, de Adlous Huxley, onde os personagens tomavam a pílula e se esqueciam de todos os problemas. “Soma, is what they will take when, hard times open their eyes”, assim Julian esclarece a primeira parte da música, mais pesada e sofrida. “When I saw her for the first time...” inicia uma segunda metade mais esperançosa, porém não menos pesada.

Casablancas tem uma declarada admiração por Lou Reed, sua fala lenta e seu estilo despojado soam como se fosse uma versão atualizada do líder do Velvet Underground, Barely Legal é inconstante, representa bem essa característica cheia de estilo e atitude “I didn’t take no shortcuts, I spent the money that I saved up” caindo para uma frustração afetuosa, quase implorando “I want it all, I just can’t figure out, but nothing”. Someday é uma das canções mais diretas do disco, com Nick e Albert novamente duelando com suas guitarras com um Julian otimista cantando “tables they turn sometimes, oh someday, no I don’t waste no more time”.

Alone, Together traz guitarras mais limpas, porém mais intensas, e antecede Last Nite, que se tornou um dos maiores hinos indies da década e deu ao grupo o título de “salvadores do indie rock”. Last Nite começa com uma guitarra simples, seguida da bateria, outra guitarra, baixo e o vocal de Julian invadindo “Last nite, she said...” o resto é história.

O contrabaixo desempenha papel importante em Hard To Explain, com linhas melódicas e um grave bem mais presente do que em qualquer outra música do disco. New York City Cops carrega um clima bem mais extravagante na reta final do álbum, o dado interessante é que devido aos atentados terroristas de 11 de setembro, mesmo dia do lançamento do vinil, a faixa foi retirada do lançamento do CD.

Trying Your Luck retoma o otimismo perdido no meio do disco, com guitarras mais limpas e uma bateria constantemente presente, antecede Take It Or Leave It, ultima faixa, elaborada com todo o grupo em uma crescente. Julian costumava se jogar no público durante a apresentação da mesma nos shows, tornando a coisa muito mais emblemática.

Is This It abriu caminho para sem dúvida uma sequencia de bandas alternativas que surgiram nos anos 2000. Como Arctic Monkeys, Kings Of Leon e tantas outras que seguiram um padrão mais natural de se fazer música.

The Strokes
Is This It
Ano: 2001
Selo: Rough Trade
Produção: Gordon Raphael
Duração: 36:25

01 Is This It (Casablancas)

02 The Modern Age (Casablancas)
03 Soma (Casablancas)
04 Barely Legal (Casablancas)
05 Someday (Casablancas)
06 Alone, Together (Casablancas)
07 Last Nite (Casablancas)
08 Hard To Explain (Casablancas)
09 New York City Cops (Casablancas)
10 Trying Your Luck (Casablancas)
11 Take It Or Leave It (Casablancas)

Globo de Ouro 2010

2010-01-18T15:46:00.005-02:00

Raul Ramos

A premiação do Globo de Ouro ocorreu ontem, em Los Angeles, com as figurinhas carimbadas levando as maiores premiações. A super (hypada) produção ‘Avatar’ e a comédia (meia boca) ‘Se Beber Não Case’ dividiram a maioria dos globos. Os concorrentes ‘Bastardos Inglórios’ e ‘(500) Dias Com Ela’ ficaram praticamente a ver navios com a imprensa norte-americana, como sempre, preferindo filmes blockbuster.

Bastardos levou apenas como Melhor Ator Coadjuvante, com Christopher Waltz interpretando de maneira fantástica Herr Landa, o longa concorreu e perdeu como Melhor Filme, Melhor Roteiro e Melhor Direção. Em um de seus melhores trabalhos, Tarantino ficou visivelmente frustrado com o rumo da premiação. Mas lembremos que Stanley Kubrick nunca levou um Oscar, então nada do que se preocupar Quentin.

‘(500) Dias Com Ela’ tem um roteiro fantástico e uma Zooey Deschanell ainda mais brilhante no papel de Summer, sem contar Joseph Gordon Levitt no papel de Tom (perdeu na categoria Melhor Ator para Robert Downey Jr), mas os críticos devem se confundir com longas não lineares, e advinha? Toma mais um blockbuster como ‘Se Beber Não Case’ como Melhor Comédia ou Musical.

Ainda nas categorias artísticas, com exceção de Meryl Streep, que foi indicada por dois filmes como atriz de comédia ou musical, nenhuma das outras premiações foi muito esperada. A não ser por Sandra Bullock, que perdeu para Streep numa categoria, mas conquistou o Globo de Ouro de melhor atriz de drama por "The Blind Side".

O resto foi mais do mesmo, salvando a presença do grande Paul McCartney, esperemos o Oscar...

Sem Destino e a contracultura dos anos 70

2010-01-11T10:51:00.003-02:00

Raul Ramos

Sem Destino (Easy Rider) foi um marco no cinema de Hollywood, até 1969 a indústria cinematográfica estadounidense vivia de filmes estilo clássico com mocinhos, mocinhas e vilões bem definidos, sem existir nenhum conflito com a “moral e bons costumes” da época. O precursor de Sem Destino foi Bonnie & Clyde (1967, Warren Beatty), que desafiou toda uma época colocando dois bandidos históricos como protagonistas, e utilizando-os como figuras bem mais “simpáticas”, e com um final nada convencional.

Sem Destino, envolve dois motoqueiros que rodam a América em busca de liberdade, tanto financeira como pessoal. Explorando muito mais o lado social do país na década de 60, como viria a ser todo o movimento de contracultura do cinema a partir dali. Tendo como protagonistas Peter Fonda, Dennis Hopper (que também dirigiu) e Jack Nicholson. Depois de contrabandear drogas na fronteira mexicana, Wyatt (Fonda) e Billy (Hopper) vendem a droga para um personagem em um Rolls Royce, tudo emblemático. Com o dinheiro da venda armazenado em mangueiras dentro dos tanques de gasolina, eles vão rumo à Leste na tentativa de chegar em Nova Orleans, na Luisiana, em tempo para o Mardi Gras.

A partir disso o longa explora a comunidade hippie e como o uso de drogas influenciavam a nova geração dos Estados Unidos, inclusive nas filmagens, diretores e atores utilizavam ácidos e ervas para diminuir o ritmo das cenas, Dennis e Nicholson esqueceram de filmar a cena da “fogueira” quando as gravações já haviam sido terminadas, voltaram no local para refazer toda a cena, neste dia Nicholson afirma ter fumado vários cigarros de maconha para conseguir entrar no ritmo da cena. Dennis Hopper era uma pessoa não muito bem vista em Hollywood, porém virou uma estrela no movimento da Nova Hollywood, chegando a ser capa da revista Time, sendo chamado de o “diretor mais quente de Hollywood”.

Hopper tinha uma personalidade forte e sempre queria se sobressair entre seus companheiros de filmagem, em Sem Destino chegou a brigar varas vezes com Peter Fonda, antes e depois das gravações, por querer todo o crédito do filme.

O longa foi premiado em Cannes, com Hopper levando o premio de melhor diretor estreante e Jack Nicholson ganhando o Globo de Ouro como melhor ator coadjuvante. O filme ainda enfrentou forte resistência na Academia, por ter sido muito “desafiador” para a época. Também foi indicado ao Oscar nas categorias de melhor roteiro original e melhor ator coadjuvante.

Depois de Sem Destino, Hollywood foi tomada por diretores novos que sentiam a possibilidade de fazer cinema de maneira diferente, mais real, sem se preocupar com os lucros ou com os grandes estúdios. Stanley Kubrick, George Lucas, Coppola, Bogdanovich, Woody Allen e vários outros jovens surgiram e embalaram quase uma década de filmes artísticos e culturais com muito mais conteúdo e inovações do que todo o período da história do cinema.

A cor da justiça

2009-12-17T07:44:00.008-02:00

Texto, video e foto: Rodrigo Martins

Foi realizada na última quarta-feira, 16/12, em frente ao prédio central do Centro Universitário Barão de Mauá, uma manifestação em solidariedade ao Sr. Geraldo Garcia, agredido por três adolescentes no sábado, 12/12.

Abaixo segue o texto manifesto do Centro Cultural Orùnmilá distribuido aos participantes:

Centro Cultural Orùnmilá

Manifesto

Contra a impunidade relativa a crimes de racismo!
Contra a violência étnico-racial!
Contra os privilégios!

Ribeirão Preto viveu mais um episódio de ódio racial contra a população negra e contra todos aqueles que repudiam, combatem e querem a superação do racismo e das desigualdades na sociedade. No dia 12 último, sábado, um trabalhador negro, Geraldo Garcia, de 55 anos, foi violentamente agredido, na avenida Francisco Junqueira, por três estudantes de medicina. Garcia se dirigia de bicicleta ao trabalho quando foi atingido por golpes de tapetes de borracha. Enquanto o atingiam os agressores gritavam: “ô seu negro, toma seu negro” e davam gargalhadas com a queda e sofrimento do atingido. Fugiram gritando eufóricos e em alta velocidade. O fato foi testemunhado por três pessoas que saíam do trabalho. Justamente indignados, perseguiram, conseguiram deter os agressores e, corretamente, chamaram a policia. Presos em flagrante, os três pretensos futuros médicos foram levados à delegacia. Com o relato das testemunhas, o delegado Mauro Coraucci lavrou o flagrante: crime de racismo inafiançável e imprescritível.
Mas os agressores estão soltos, no conforto dos seus lares. Motivo: a justiça acatou os argumentos dos advogados dos agressores e desqualificou a agressão como crime de racismo. Os criminosos pagaram fiança e estão livres.
O que toda a sociedade está se perguntando é: se um ato criminoso comprovado honestamente por três testemunhas e confirmado em depoimento pela vítima e acatado devidamente pelo delegado é desqualificado, o que seria necessário para configurar crime de racismo? A confissão solene dos agressores? Se gritar “ô seu negro, toma seu negro” não sensibilizar ou mesmo para esclarecer as autoridades? O que farão os estudantes agressores quando se formarem? Nossos filhos estarão nas mãos deles, mas sujas de sangue e garantidas pelo tratamento desigual, pelos privilégios sociais e raciais, pela impunidade?
Isso apenas reforça as pesquisas que comprovam ser a justiça brasileira cega para o racismo. Confirma o que parece já ser uma prática do judiciário nacional: desconfigurar o crime de racismo através de malabarismos jurídicos, e suavizar a interpretação legal das práticas de discriminação racial, garantindo assim a possibilidade de pagamento de fiança e penas mais brandas para os racistas.
Só a história pode explicar a impunidade. No País que mais tempo demorou para abolir a escravidão e o chicote, nunca houve punição para crimes raciais. O precedente é pior demais perigoso. A própria historia mostra. Foi assim na Alemanha antes e durante o regime de Hitler. Foi assim antes e durante o apartheid que vigorou na África do Sul. Foi assim nos EUA durante os anos de terror perpetrados pela Klu Klux Klan.
Para que o terror racista não cresça e vigore totalmente aqui, lute! Manifeste-se! Mostre a sua indignação! Combata o racismo geral e o racismo institucional e condene a impunidade. Ou a próxima vítima será você ou seu filho – e os agressores sairão impunes.

Ribeirão Preto, 16 de Dezembro de 2009.

Representante da Barão de Mauá entrega documento em solidariedade ao Sr. Geraldo.

2012

2009-12-07T14:15:00.003-02:00

Raul Ramos

Que o mundo irá acabar em 2012 todos já “sabem”; porém o longa do diretor Roland Emmerich resolve acabar com o mundo um pouco antes. Emmerich já virou especialista em filmes catástrofes, dirigiu Independece Day e O Dia Depois de Amanhã. Mas dessa vez há muito pouco o que aproveitar na nova superprodução da Sony, que foi orçada em US$200 milhões.

2012 não passa de um acumulado de efeitos especiais em um péssimo roteiro, com frases de efeito já batidas e todo um esquemão já usado anteriormente em Hollywood, um bom herói como protagonista aqui é John Cusack, no passado foram Paul Newman e Steve McQueen em Inferno na Torre e Gene Hackman em O destino do Poseidon - família que tenta superar seus problemas, casais separados que ainda se amam, o presidente americano do bem (e ele é negro e simplesmente é o Danny Glover!), outro político qualquer do mal, e por aí vai.

O fim do mundo começa em 2009, quando um indiano percebe que a Terra está caminhando para o seu triste fim, nesse momento segue mais de uma hora de explicações sobre o porque do mundo acabar, até enfim aparecer John Cusack, o herói que fará de tudo para salvar sua família.

Chega 2012, mas o sempre confiável e onipresente governo dos Estados Unidos decide financiar enormes arcas insubmergíveis para salvar uma parcela da população e depois repovoar nosso querido planeta com o pouco que sobrou da espécie. Mas a melhor parte vem agora, para quem pensa que os americanos constroem os barcos que salvarão a humanidade estão enganados. As arcas são Made in China, qualquer semelhança não é mera coincidência.

Os escolhidos para a reprodução futura da espécie são selecionados pelo único critério válido na atualidade: dinheiro. Mas claro, sempre existem os menos afortunados que tentam furar a fila das “arcas”, nesse caso é John Cusack e família. E enquanto o mundo sacode, explode e ricos tentam entrar em suas arcas, se vão 158 minutos de sua vida.

Roland Emmerich já mostrou ser fascinado pelo tema “Meu mundo caiu”, mas dessa vez não conseguiu acrescentar nada a já vasta sessão nas prateleiras das locadoras. Porém ainda existem pessoas que queiram assistir de perto mais um desses filmes sem cérebro que mostram o mundo indo literalmente para o espaço.

Móveis Coloniais de Acaju a moda Café

2009-12-02T08:44:00.007-02:00

Rodrigo Martins

Raul Ramos

Eletrizante, talvez seja a palavra certa para definir o show dos caras no Sesc no último dia 1º em Ribeirão Preto. Show que contou com convites esgotados: foram 450 pessoas embaladas pela mistura de energia e alegria do Móveis.

Banda de Brasília, formada em 1998, o Móveis Coloniais de Acaju se destaca pela organização empresarial. Cada integrante tem uma determinada responsabilidade e a cumpre. O Café teve a oportunidade de acompanhar os bastidores da apresentação no Sesc e viu como tudo é produzido por cada músico, desde montagem de palco até decoração com seus baldes coloridos.

Em entrevista, Paulo Rogério (sax tenor) trocou idéias sobre bandas independentes, VMB 2009 e o Cd de trabalho C_MPL_TE.

Para Paulo e todos da banda, a maior emoção no VMB, produzido pela MTV, foi poder subir ao palco e tocar. O Móveis ficou com o 3º lugar em “Melhor Show” e 2º lugar como “Rock Alternativo”.

André Gonzáles (vocalista) avisou durante o show “nosso cd está disponível para download no site da banda” e segundo Paulo já foram mais de 30 mil.

Paulo ainda comentou sobre bandas como Autoramas, Vanguart e Macaco Bong que, segundo ele, servem como um bom exemplo do mercado independente que se consolida no Brasil. E o Móveis também completa esse novo cenário.

A apresentação

Foi loucura do inicio ao fim. A energia positiva dos músicos invadiu o público e fez todo mundo dançar. A todo instante o Móveis descia do palco e interagia com a galera, e esta respondia, gritavam, cantavam e balançavam o corpo.

A tradicional roda de Copacabana, momento alto do show, acelerou o público e ninguém ficou parado. Sem dúvida uma das melhores e mais divertidas apresentações que o Café já presenciou.

E prá quem não acompanhou, fica aqui um pouquinho do que rolou por lá! Com show do Móveis não dá pra ficar sem mexer pés, cabeça e o corpo inteiro.

Móveis Coloniais de Acaju
SESC Ribeirão Preto
01/12 - 21h

Setlist
01 Cão Guia
02 Lista de Casamento
03 Seria o Rolex?
04 Cheia de Manha
05 Descomplica
06 O Tempo
07 Pra Manter ou Mudar (A do piano)
08 Perca Peso
09 Bem Natural
10 Falso Retrato (u-hu)
11 Copacabana
12 Indiferença
13 Adeus
14 Sem Palavras
15 Aluga-se Vende

Prematuro?

2009-11-30T09:39:00.002-02:00

Serafin foi ao cartório registrar seu primeiro filho. Precisava de duas testemunhas e chamou Pedro Fiscal e Orico do Bar, que iam passando. Os dois aceitaram o convite, mas Pedro Fiscal comentou malicioso:

- Ô Serafin, você casou faz só um mês. Esse teu filho não nasceu meio adiantado não?

- Não, não. Ele nasceu no prazo certo, o casamento é que foi meio atrasado.

Mouzar Benedito é jornalista, trabalhou, e lutou contra a ditadura, nos jornais "Versus" e "O Pasquim". Trabalhou também em mais de 30 jornais e tem 20 livros públicados

The Killers contra o tráfico humano de exploração sexual

2009-11-27T14:37:00.007-02:00

Raul Ramos

No último dia 21, o grupo estadounidense The Killers desembarcou no Brasil para uma apresentação única em São Paulo; considerado pela imprensa mundial como os "sucessores do U2", os rapazes de Las Vegas estão em turne de divulgação do seu último álbum, Day & Age.

O vocalista Brandon Flowers deu uma breve entrevista ao Café por telefone e contou sobre sua infancia influenciada por vampiros e de como seu grupo nunca será a melhor banda do mundo. Com vocês, Brandon Flowers.

Depois do álbum de estréia do The Killers “Hot Fuss” você declarou em algumas entrevistas que sentiu extremamente confiante, no segundo disco disse que saiu um som “humilhado”. O que passa pela sua cabeça agora depois do lançamento do “Day & Age”?
- Estou assustado (risos), porque as pessoas dizem que eu deveria me sentir confortável, e eu ainda não cheguei nesse ponto com o disco, não estou confortável ainda. Acho que é o que minha mãe sempre me disse (o que certamente não é o que você quer ouvir de sua mãe quando é pequeno), ela nunca me disse após eu perder uma partida de futebol: “Você vai fazer melhor da próxima vez”, ela sempre dizia: “Sempre irá existir alguém melhor”.

E quem hoje você acha que sua mãe classificaria como melhor que o The Killers?
- Sempre teremos alguém na frente, acho que hoje o Day & Age perde para o Viva La Vida do Coldplay e o single Sex On Fire do Kings Of Leon, se não fossem eles estaríamos no topo do mundo (risos).

Nesses últimos meses Paul Banks do Interpol e Julian Casablancas do Strokes lançaram álbuns solos, você chega a considerar essa hipótese?
- Quando as coisas não vem realmente bem na banda eu penso. Mas ainda não tenho argumentos suficientes para isso.

E como seria a sonoridade de um álbum solo de Brandon Flowers?
- Impressionante.

Poderia ser um pouco mais especifico?
- Me aventuraria um pouco mais.

Suas letras parecem ter muita influencia da cidade de Las Vegas, com aquele clima antigo e tudo mais, incluindo também os problemas.
- Tenho esse problema de romantizar um pouco as coisas. Vivo com os fantasmas do Elvis e do Frank Sinatra, e isso parece muito glamuroso. São homens americanos que não existem mais. Porém existe o lado negativo das coisas em Vegas, vou a uma escola e ouço garotas falando sobre qual clube de strip que pretendem trabalhar, isso é uma das coisas tristes de Vegas.

Uma de suas músicas foi escolhida para um anuncio contra o trafico humano de exploração sexual. Essas experiências em Las Vegas fizeram você se unir a esta causa?
- Eu não estou levando essa causa sozinho, isso precisa ser levantado. Mas nós somos definitivamente contra o tráfico humano de exploração sexual.

Isso parece ser uma declaração inédita vinda de um integrante do grupo, já que nenhum de vocês ingressam em ativismos.
- Ah sim, pode colocar na capa: The Killers são contra o tráfico humano de exploração sexual.

Compôs "A White Demon Love Song” para o filme "Crepúsculo: Lua Nova". O que você acha dessa nova mania sobre vampiros?
- Sempre me atraiu o tema sobre vampiros. Eu devo ter me vestido de vampiro uns quatro ou cinco anos seguidos no Halloween quando era criança. Tivemos 12 ou 13 entrevistas antes de realmente decidir sobre a musica, quando o filme saiu sobre este tema e fiquei fascinado, então eu acho que é um tema que nunca vai desaparecer completamente.

Qual é a relação entre música e imagens? Você consegue imaginar a música primeiro e depois as letras ou vem tudo junto?
- Cada canção é diferente. Algumas vezes a letra provoca a música e outas vezes a letra é a última parte de uma canção.

Informação de boa música!

2009-11-18T15:32:00.003-02:00

Especial Quentin Tarantino

2009-11-16T08:38:00.009-02:00

Bastardos Inglórios
2009

O vilão perfeito

Leonildo Trombela Junior

O Coronel Hans Landa fez a lição de casa. Não falhou em um único quesito da cartilha “The Top 100 Things I'd Do If I Ever Became An Evil Overlord” (As 100 coisas que farei quando me tornar um Senhor do Mal). Dotado de astúcia, cultura e retórica irretocáveis, o “caçador de judeus” (como ficou conhecido pela patota do Terceiro Reich de Tarantino) é tranquilamente o melhor vilão que já vi no cinema.

Imagine um vilão assustadoramente calmo e racional, que não cai na sedutora lábia feminina – a Shosanna enganaria fácil 99% da população masculina hétero. Pense em alguém não se deixa levar por delírios típicos de pequenos poderes (distúrbio comum em síndicos e afins). Um vilão com flexibilidade moral suficiente para negociar a queda de um império com seu maior inimigo em troca de benefícios.

Adicione à essa infalibilidade alguém que fale fluentemente alemão, inglês, francês e italiano. Esse último idioma por sinal, quando proliferado, fora responsável pela cena mais engraçada do filme. O creme do creme.

Se alguém achava que depois do Coringa de Heath Ledger não haveria mais vilões mais interessantes que a própria história em si, Hans Landa foi a cereja do bolo que merecidamente rendeu a Palma de Ouro no Festival de Cannes ao austríaco Christoph Waltz.

O herói politicamente incorreto

Raul Ramos

“Meu nome é tenente Aldo Reine; seremos largados na França vestidos como civis, só temos de fazer uma coisa: matar nazistas”.

Brad Pitt alcançou como tenente Aldo, sob o comando de Tarantino, um nível de sarcasmo, realismo e objetividade talvez só podendo ser comparado com Vincent Vega, interpretado por John Travolta em Pulp Fiction.

Durante todo o filme Aldo é, contrario ao Herr Hans Landa, mais instintivo do que racional, mesmo sendo integrante do serviço de inteligência das forças aliadas. Reunindo seu grupo de oito bastardos, seu único objetivo é torturar e espalhar o terror dentro das trincheiras do terceiro Reich.

Tarantino parece convencer o público criando “heróis” que atuam mais pela emoção do que pela razão, tanto Beatrix Kiddo (Kill Bill) como o tenente Aldo lutam apenas pela questão de se vingarem violentamente de seus inimigos, sem mais alguma razão por trás disso. Tarantino é direto e simples, não utiliza de motivos secundários, que poderiam existir, mas seria um excesso em ambos os filmes.

Em sua apresentação, Aldo define bem o seu papel em todo o filme: “Membros do Partido Socialista conquistaram a Europa com mortes, torturas, intimidação e terror. E é exatamente isso que faremos com eles. Seremos cruéis com os alemães. E através dessa crueldade eles saberão quem somos. Os alemães não conseguirão nem imaginar a crueldade que seus irmãos sofrem em nossas mãos; sob a sola de nossas botas; e na ponta de nossas facas.

Os alemães ficarão cansados de nós, os alemães falarão de nós, os alemães terão medo de nós, os nazistas não têm compaixão e precisam ser destruídos! Todo homem sob meu comando me deve 100 escalpos nazistas, e eu quero meus escalpos!”

Especial Quentin Tarantino

2009-11-13T16:09:00.007-02:00

Leonildo Trombela Junior

Kill Bill Vol.2
2004

“Ela merece a vingança e nós merecemos morrer.”

A fala do personagem Budd ‘Sidewinder’ interpretado por Michael Madsen em uma conversa com Bill (David Carradine) resume bem do que se trata o segundo volume do filme. Claro que como uma obra “tarantinesca”, jamais se chegaria ao óbvio tão rapidamente ou de modo previsível. Existem as preliminares.

O que maravilha no filme é como ela chega ao objetivo, como se tornou a “Black Mamba”, nome esse que por sinal vem de uma cobra homônima, cuja descrição no site da National Geographic é:
“Black Mambas são rápidas, nervosas, letalmente venenosas, e quando ameaçadas, altamente agressivas. Elas têm sido responsabilizadas por inúmeras mortes. Mitos africanos dão proporções lendárias a essa serpente. Por estas razões, a mamba preta é considerada a cobra mais mortal do mundo.”

De uma moça semi-ingênua, Beatrix se tornou, graças ao treinamento do Pai Mei, uma autêntica Black Mamba. Aprendeu a dar um soco de uma polegada mortal, que a fez comer o arroz que o sensei amassou para aprender, mas valeu a pena. Ajudou-a sair do momento mais claustrofóbico da história. Afora isso, o indefectível Mei tornou-a uma máquina marcial de matar.

Dotado de elementos de filmes e seriados de kung fu dos anos 70, o filme usa e abusa do formato, seja na música, nos figurinos (a Uma Thurman naquele colante é puro ouro).

O filme só peca um pouco no momento mais esperado da série, que é justamente o reencontro dela com seu algoz. Apesar de Bill ter feito a melhor reflexão de todos os tempos sobre o Clark Kent (sério, quem ia pensar naquilo? O cara foi mestre total), poderia ter sido melhor.

No balanço geral, Kill Bill vol.2 é um ótimo filme que deve ser assistido por qualquer um que goste de um bom cinema. O fim do filme é genial, acaba numa crise de choro misturada com uma euforia extasiante, seguida de um alívio.

Loucuras que só podem vir do Quentin Tarantino, e mais ninguém.

Especial Quentin Tarantino

2009-11-11T16:51:00.009-02:00

Raul Ramos

Kill Bill Vol.1
2003

Kill Bill é um divisor de águas na carreira de Tarantino, seus três filmes anteriores seguiam uma temática linear: policial, diálogos inteligentes, referencias pop e tudo o que já foi dito anteriormente aqui no Café.

Agora o diretor aparece com o seu próprio longa de artes marciais, ação, policial e velho oeste, com Uma Thurman fazendo às vezes de Clint Eastwood moderno, e como o próprio Tarantino resumiu: chegou a hora de eu testar o limite do meu talento.

Uma Thurman é Beatrix Kiddo, uma ex-assassina de aluguel que sobreviveu milagrosamente a um massacre patrocinado pelo seu ex-chefe, Bill, em pleno dia de seu casamento. Quatro anos depois, nossa protagonista acorda do coma com um único pensamento: search and destroy, no melhor estilo O Exterminador do Futuro. Levanta de seu leito e corre para sua vingança.

A estrutura do filme segue o manual de redação Quentin Tarantino de como fazer um filme: dividido em capítulos. Com capítulos dentro dos capítulos. E flash-backs, animação, mistura de cenas em preto e branco com seqüências coloridas e sangue. Muito sangue.

O filme começa com letras brancas sobre a tela negra, bem ao estilo de Pulp Fiction: “Vingança é um prato que deve ser servido frio”.

A comparação com Matrix nas cenas de lutas é quase que automática, porém temos de diferenciar os dois filmes, pois a utilização do kung-fu é diferente. Em Matrix existe toda uma questão futurista maquiando o combate, o que tornavam as cenas assépticas. Em Kill Bill as lutas são a essência do filme, é a alma de cada personagem.

Tarantino consegue com maestria estilizar a violência contida no ser humano, que fez questão de dirigir inclusive a animação que é o elo entre o passado e o presente da personagem de Lucy Liu.

Vamos ao banho de sangue que adentra o filme, o sangue literalmente jorra em inúmeras seqüências. Espirra do braço cortado, da perna mutilada, mancha o rosto, escorre pelas ruas, pela neve, mistura-se à água da piscina, é sangue demais pra parecer real. É colorido demais para parecer real. E por isso não choca tanto quanto em Cães de aluguel, por exemplo.

A música tem papel importantíssimo e Tarantino, que parece se divertir em cada etapa do trabalho, deve ter se deliciado especialmente bancando o DJ deste filme.

Kill Bill é certamente uma nova era para Quentin Tarantino, bancando o sonho de ser diretor de um “western”, quase como os filmes que assistia na infância.

Especial Quentin Tarantino

2009-11-09T09:59:00.006-02:00

Raul Ramos

Jackie Brown
1997

Jackie Brown é o terceiro filme escrito e realizado por Quentin Tarantino, baseado no livro Rum Punch, de Elmore Leonard, de quem Tarantino é fã confesso.

O diretor conseguiu reunir, a exemplo de Pulp Fiction, um grande elenco que incluiu novamente Samuel L. Jackson e mais atores consagrados como Robert De Niro, Bridget Fonda, Michael Keaton, Chris Tucker, Pam Grier e Robert Forster, que foi indicado ao Oscar de melhor ator coadjuvante.

Como em todos os filmes de Tarantino, consideremos os diálogos, por exemplo. Enquanto os personagens têm o hábito de discutir assuntos tão cotidianos como massagens no pé (Pulp Fiction), ou as letras das músicas de Madonna (Cães de Aluguel), os de Elmore Leonard costumam falar, falar e falar - e apenas isso. Ninguém ouve ninguém. Todos querem desabafar, discursar, expor seus pontos de vista. Às vezes funciona. Outras, não.

E assim é durante todo o filme. Há momentos em que os personagens falam tudo o que sabem, no entanto, em outros momentos, Louis gasta vários minutos discutindo com Melanie trivialidades como fotos na parede. Os personagens são inconstantes.

O único que parece se manter é Ordell, o traficante de armas brilhantemente interpretado por Samuel L. Jackson. É claramente dele as melhores cenas, bem como os melhores diálogos do filme. Robert De Niro também está ótimo como o patético e confuso Louis Gara, num papel diferente do convencional do que venha a ser um ‘De Niro’.

Pam Grier, com sua beleza madura, tem uma boa presença em cena, mas não tem o magnetismo de John Travolta e Uma Thurman em Pulp Fiction.